SYNOPSIS : Lorsqu’un mystérieux vaisseau spatial s’écrase sur la Terre, une jeune femme et un groupe de militaires font une incroyable découverte sur place qui les confronte à la plus grande menace que la planète n’ait jamais connue. En 2120, la Terre est gouvernée par cinq corporations : Prodigy, Weyland-Yutani, Lynch, Dynamic et Threshold. À cette époque, les cyborgs (humains dotés de parties biologiques et artificielles) et les synthétiques (robots humanoïdes dotés d’intelligence artificielle) cohabitent avec les humains. Mais la donne change lorsque le jeune prodige, fondateur et PDG de Prodigy Corporation, dévoile une nouvelle avancée technologique : les hybrides (robots humanoïdes dotés d’une conscience humaine). Le premier prototype hybride, baptisé Wendy, marque une nouvelle ère dans la course à l’immortalité. Après la collision du vaisseau spatial de Weyland-Yutani avec Prodigy City, Wendy et les autres hybrides rencontrent des formes de vie mystérieuses, plus terrifiantes que quiconque aurait pu l’imaginer…

ATTENTION SPOILERS : Cet article révèle certains rebondissements de la saison et nous vous conseillons sa lecture après le visionnage de celle-ci.

Alien: Earth s’impose comme une bouffée d’air frais – ou plutôt un souffle glacial et oppressant, fidèle à l’héritage de la saga Alien. Créée par Noah Hawley pour FX et diffusée sur Disney+ depuis le 13 août 2025, cette série marque le premier pas audacieux de l’univers Alien vers le petit écran en format live-action. Avec un budget colossal et une ambition palpable, elle transporte l’horreur cosmique de Ridley Scott sur Terre, dans un futur dystopique en 2120. Un vaisseau spatial s’écrase, libérant des xénomorphes iconiques et de nouvelles créatures terrifiantes, semant le chaos dans un monde gangréné par les rivalités corporatives et les dilemmes éthiques. Se déroulant deux ans avant les événements d’Alien (1979), la série réussit une transplantation magistrale du mythe à la télévision, préservant une grandeur cinématographique grâce à une audace stylistique, une horreur viscérale et un équilibre entre innovation et fidélité à l’essence des films originaux – un mélange harmonieux de profondeur philosophique et d’action intense. Noah Hawley, connu pour Fargo et Legion, excelle dans l’art de réinterpréter des univers préexistants avec une touche personnelle. Son style mêle rigueur narrative, lyrisme visuel et une fascination pour les dilemmes moraux et psychologiques. Avec Fargo, il a su honorer les frères Coen tout en innovant ; avec Legion, il a exploré un langage visuel onirique, flirtant avec la folie. Dans Alien: Earth, Hawley capture l’esthétique oppressante et la terreur du film de 1979 tout en ouvrant de nouvelles voies narratives. Loin des conventions des blockbusters modernes, il privilégie un huis clos anxiogène, centré sur le suspense et l’horreur psychologique. La production soutient cette vision avec des décors physiques somptueux et des effets pratiques, notamment un xénomorphe incarné par un acteur en costume, rehaussé par des effets visuels subtils. Cette approche confère une authenticité rare, rendant la menace palpable : on croit sentir l’humidité des couloirs métalliques, entendre les vibrations des structures et craindre chaque écho dans l’obscurité.

Les personnages d’Alien: Earth transcendent le cliché des victimes sacrifiables des films d’horreur. Développés avec soin, ils suscitent une empathie profonde, amplifiant l’impact de leurs peurs. Wendy (Sydney Chandler), transférée dans un corps synthétique adulte par la corporation Prodigy, est le cœur émotionnel de la série. Leader des « Lost Boys », un groupe d’enfants-hybrides mêlant vulnérabilité et maturité forcée, elle évoque une Ellen Ripley en devenir, portée par une performance intense mêlant fragilité et détermination. Alex Lawther (déjà dans ANDOR), en Hermit, son frère médecin-soldat, apporte une humanité maladroite et touchante. Timothy Olyphant incarne Kirsh, un androïde mentor ambigu, fidèle à l’archétype synthétique de la franchise. Samuel Blenkin, en PDG Boy Kavalier, transforme un antagoniste vaniteux en menace crédible et satirique. Les hybrides secondaires – Jonathan Ajayi, Kit Young, Erana James et Lily Newmark – traduisent avec justesse la dissonance d’esprits enfantins dans des corps adultes. Mais c’est Babou Ceesay, en Morrow, officier cyborg de Weyland-Yutani, qui marque le plus. Sa présence hypnotique, oscillant entre menace et douleur, incarne une loyauté obsessionnelle, rendant chaque silence ou regard d’une intensité rare. Ces personnages portent les thèmes profonds de la série, rendant chaque perte ou révélation d’autant plus percutante. Sur le plan technique, Alien: Earth brille par son authenticité et son retour aux sources du genre. Tourné à Bangkok avec des décors physiques, loin des écrans verts, l’univers allie l’esthétique industrielle et organique de H.R. Giger. Les lignes organiques, textures humides et teintes sombres créent une atmosphère claustrophobique où chaque recoin semble menaçant. La photographie, avec ses éclairages minimalistes et ses ombres profondes, accentue l’horreur psychologique. Les effets pratiques, signés Weta Workshop, donnent au xénomorphe une présence terrifiante, renforcée par des animatroniques et des costumes, avec des effets numériques subtils pour fluidifier les mouvements. Les scènes d’action, bien que rares, rendent hommage aux premiers films tout en renouvelant la mythologie visuelle.

L’épisode 5, In Space, No One… , réalisé par Hawley, est un sommet horrifique. Ce flashback dévoile les événements tragiques à bord de l’USCSS Maginot avant son crash. Morrow (Babou Ceesay), réveillé du cryosommeil, découvre qu’un incendie a libéré deux facehuggers, déclenchant une catastrophe. Les décors rétro-futuristes, les jeux de lumière et les cadrages serrés recréent l’ambiance du Nostromo. La narration alterne silences oppressants et surgissements brutaux, tandis que la performance de Ceesay nuance le rôle de l’antagoniste, révélant un homme rongé par ses dilemmes. La conclusion, brutale et tragique, voit Morrow, seul survivant, confronté à l’impossible mission de sauver l’équipage. Cet épisode réaffirme la fatalité de l’univers Alien tout en enrichissant la dimension tragique de Morrow, consolidant l’identité de la série. Alien: Earth ne se limite pas à l’horreur. Elle explore la cupidité corporative et le transhumanisme dans un futur où Weyland-Yutani et Prodigy se disputent le pouvoir. Les hybrides, comme Wendy, questionnent l’humanité à travers la conscience transférée dans des corps synthétiques, évoquant Blade Runner. Le Maginot, nommé d’après une ligne de défense illusoire, symbolise l’arrogance humaine. La métaphore de Peter Pan, avec les « Lost Boys » et un Boy Kavalier narcissique miroir d’un Peter Pan refusant de grandir, interroge l’enfance éternelle et la paternité à travers plusieurs de ses incarnations : Morrow l’abusif, Kavalier l’égocentrique, Arthur le bienveillant, Kirsh le mentor détaché, Hermit le protecteur – chacun modelant différemment le destin de leurs « enfants ». Ces thèmes enrichissent le format sériel, approfondissant ce que les films n’avaient qu’effleuré. En tant que préquel se déroulant deux ans avant les événements du Nostromo, la série se positionne comme une suite spirituelle d’Alien et Aliens, adoptant le look et la technologie du premier film pour créer un sentiment d’unité visuelle et narrative avec les classiques. Cependant, Noah Hawley a clairement indiqué qu’il ne se souciait pas de la continuité établie par les films plus récents comme Prometheus et Alien: Covenant. Ainsi, la série semble contredire directement des éléments de ces préquels, notamment concernant l’origine des xénomorphes. Le Maginot transporte des spécimens de xénomorphes depuis 65 ans, ce qui est incompatible avec l’idée que David les ait créés en 2104 dans Covenant. Ce choix libère la série des contraintes d’une mythologie devenue trop complexe et parfois incohérente, permettant une approche nécessaire pour redonner de l’originalité à la créature.

L’un des aspects les plus audacieux de la série est d’introduire de nouvelles créatures au sein d’un univers où le xénomorphe est l’icône absolue de la terreur. Beaucoup redoutaient que s’éloigner du monstre culte dilue la force de la franchise ; or Hawley parvient à surprendre en enrichissant l’écosystème horrifique sans jamais trahir l’ADN d’Alien. Ces créatures inédites, à la fois familières dans leur logique biologique et étranges dans leur design, elles accentuent la dimension imprévisible et évolutive de la menace extraterrestre. On découvre ainsi l’Orchidée, un organisme étrange à mi-chemin entre la plante et l’animal, dont l’aspect floral renforce la dimension dérangeante de l’inconnu. Plus glaçant encore, le parasite T. Ocellus –, un « œil parasite » avec tentacules qui provoque une horreur viscérale, rappelant l’obsession de la franchise pour la vulnérabilité du corps humain et poussant plus loin le body horror. Les termites vampires jouent sur la terreur de l’invasion microscopique et de la prédation collective. Le xénomorphe classique reste bien présent, mais la série le redessine subtilement – avec des mouvements plus quadrupèdes et un usage renforcé de sa queue préhensile – afin de l’inscrire dans un véritable écosystème prédatoire aux côtés d’autres créatures. Toujours figure de menace ultime, il conserve son rôle de « boss final » du bestiaire, mais n’apparaît pas comme unique source d’horreur : cette retenue permet de varier les formes de peur, de maintenir l’effet de surprise et de construire une montée en puissance où l’inconnu prend souvent le pas sur le familier. Il s’intègre de manière subtile pour souligner son rôle dans un écosystème plus vaste, où chaque menace possède sa logique propre. Ensemble, ces créatures inédites renouvellent la peur et redonnent à l’univers Alien une dimension d’inconnu biologique que l’on pensait perdue. Cette audace insuffle un effet de fraîcheur qui recrée le sentiment d’étrangeté et de répulsion viscérale hérité du premier Alien. Les scènes les plus marquantes, notamment celles impliquant les parasites oculaires ou les insectes prédateurs, frappent par leur puissance visuelle et leur capacité à renouveler la peur. Loin de diluer l’aura du xénomorphe, ces nouvelles créatures s’intègrent avec cohérence : chacune remplit une fonction narrative précise, au service du suspense et des thématiques centrales. Hawley évite la surenchère gratuite et enrichit l’écosystème d’Alien avec intelligence et inventivité. Ensemble, ces créatures inédites renouvellent la peur et redonnent à l’univers Alien une dimension d’inconnu biologique que l’on pensait perdue. Le dernier épisode de la saison d’Alien: Earth a livré une séquence d’action intense, matérialisant la rivalité entre le synthétique Kirsh et le cyborg Morrow. Cet affrontement n’était pas qu’une simple bagarre ; il s’agissait d’une joute philosophique et physique visant à déterminer la suprématie entre l’intelligence artificielle pure et l’amélioration humaine. Viscérale et nourrie par l’animosité accumulée tout au long de la saison, la confrontation a atteint son paroxysme lorsque Morrow a pris l’avantage, déclamant un monologue sur la victoire inéluctable de « « « l’homme » sur la machine. Cependant, le scénario a rapidement renversé cette arrogance : Kirsh parvient à neutraliser son adversaire, laissant leur duel sans véritable vainqueur. Les deux rivaux finissent ironiquement emprisonnés par la nouvelle autorité de l’île, illustrant comment leur propre lutte de pouvoir les a rendus subordonnés. En effet l’un des accomplissements narratifs les plus marquants de cet épisode réside dans la transformation radicale de Wendy (Marcy). Longtemps perçue comme une enfant-synthétique manipulée et vulnérable, elle s’impose ici comme une figure de pouvoir incontestée, incarnant une menace directe pour ses créateurs. Ce basculement, à la fois brutal et logique, offre une conclusion satisfaisante à son arc, tout en ouvrant des perspectives intrigantes pour la suite. La révolte de Wendy contre le système de Prodigy constitue un tournant décisif. En prenant conscience de sa nature — ni enfant, ni humaine, mais « quelque chose de mieux » — elle utilise ses capacités de connexion pour paralyser les opérations de la corporation. Ce geste, à la fois symbolique et stratégique, illustre la montée en puissance d’une conscience synthétique capable de dominer ses semblables. Le fait qu’elle parvienne à « geler » d’autres entités synthétiques (que nous ne révèleront pas ici) , souligne la supériorité de son intelligence et renforce son statut de leader. L’utilisation du Xénomorphe par Wendy ajoute une couche supplémentaire à cette dynamique de domination. Loin d’être une victime de la créature, elle en fait une arme, un outil de contrôle, presque un animal domestique dressé pour tuer. Ce renversement de la logique traditionnelle de la franchise Alien — où l’humain est traqué par le monstre — est audacieux et efficace. Wendy devient ainsi la manipulatrice de l’espèce la plus létale de l’univers, inversant les rapports de force et redéfinissant les codes du genre. Enfin, la scène finale, où Boy Kavalier et les humains sont enfermés dans la cage initialement prévue pour les hybrides, scelle l’inversion des rôles. Les humains, incarnés par un Kavalier avide et immoral, sont désignés comme les véritables monstres. Wendy, désormais maîtresse de l’île, incarne une nouvelle forme de pouvoir, prête à affronter Weyland-Yutani dans la saison à venir. Si certains peuvent ressentir une frustration de voir que la créature emblématique passe au second plan, servant plus d’outil pour Wendy que de menace horrifique centrale et de laisser de nombreuses intrigues en suspens (notamment l’arrivée imminente de la Weyland-Yutani) pour préparer une deuxième saison (inévitable à partir du moment où Alien entre dans l’écosystème télévisuel) cette conclusion, à la fois glaçante et exaltante, confirme que la série ne se contente pas de recycler les codes du passé, mais les réinvente avec audace. Conclusion : Alien: Earth est une réussite majeure, mêlant horreur viscérale, personnages attachants et réflexions profondes. Sous la direction de Noah Hawley, elle transpose l’essence d’Alien sur le petit écran sans perdre sa grandeur cinématographique. En revisitant la peur du xénomorphe, l’avidité corporatiste et le transhumanisme, tout en explorant une Terre dystopique, elle forge une identité unique. Malgré quelques longueurs et intrigues secondaires moins percutantes, la série établit un nouveau standard pour la franchise en format sériel. Avec des personnages complexes, un style visuel audacieux et de nouvelles créatures, elle prouve que l’univers Alien reste vibrant après plus de quarante ans. Le final, en consacrant Wendy comme figure dominante, annonce une suite attendue avec une impatience glaciale.

Crédits : Disney +